Fantasydo : Parce que l'Homme a encore le droit de rêver !

Après 4 visions du dernier opus du Hobbit 3 : La Bataille des Cinq Armées, dont une en HFR 3D Dolby Atmos, le must pour vraiment pouvoir réellement toucher l'entreprise de Peter Jackson du doigt, et parce que j'en avais un peu assez d'attendre un hypothétique papier des sites que j'aime bien, me voilà à même ami lecteur d'aborder le film dans la quintessence de sa signification et surtout en se lâchant un peu sur les spoilers, analyse oblige. Donc, lis bien cet avertissement, SPOILER SPOILER SPOILER PASSE CES QUELQUES LIGNES, JE VAIS FAIRE PLEINS DE REVELATIONS SUR L'HISTOIRE DU FILM ET SES PERSONNAGES. SI TU VEUX CONTINUER AU-DELA DE CET AVERTISSEMENT, C'EST A TES RISQUES ET PERILS.^^

On ne le redira jamais assez, mais il FAUT VOIR LES FILMS DU HOBBIT EN HFR 3D et de préférence en ATMOS, ce n'est pas du snobisme, ce n'est pas pour faire gagner plus d'argent aux exploitants, c'est parce qu'il faut toujours respecter la vision d'un auteur, et surtout parce que ce procédé fait partie intégrante du processus de "narration" voulu par le réalisateur Peter Jackson et ses scénaristes (lui-même, Philippa Boyens, Fran Walsh, et Guillermo Del Toro). Je n'ai pas la prétention de vous expliquer comment et pourquoi, mais je vous renvoie amis lecteurs vers un site peuplé de passionnés qui sauront vous le retranscrire bien mieux :

http://www.capturemag.net/etat-critique/le-hobbit-une-imagerie-inattendue/

Une fois, ce texte lu, nous pouvons passer à la signification profonde du premier film, et ses symboliques intrinsèques, complètement reliées au parcours de ses héros, toujours chez Capture Mag, toujours par le même : 

http://www.capturemag.net/etat-critique/le-hobbit-un-recit-inattendu/

Maintenant que tu sais lecteur attentif, à peu près de quoi il cause le père Jackson, et ses potes, on va pouvoir attaquer le vif du sujet de cet ultime chapitre de la trilogie le Hobbit, et comprendre ensemble pourquoi finalement c'était pas du tout un délire marketing de faire 3 films au lieu de 1 ou 2.

Avant toute chose, ouvre une nouvelle fenêtre ami lecteur, et laisse toi porter par la musique envoutante de Howard Shore pendant la lecture https://www.youtube.com/watch?v=P8ymgFyzbDo

Maintenant que nous voilà entre nains, nous allons pouvoir parler du film dans sa globalité. Le film commence là où l'on avait laissé à la fin du 2, c'est à dire sur Smaug qui a échappé au piège des nains et se rue sur Lacville pour la mettre en pièces avant de retourner faire rôtir les nains et Bilbo dans un deuxième temps.

Je fais tout de suite une pause pour répondre à ceux qui pensent que le deuxième opus auraient dû se terminer sur la mort de Smaug. Ben non, non, 3 fois non, ignorant. Smaug est un des "personnages" centraux du film Le Hobbit : La Bataille des Cinq Armées, si si vous avez bien lu, je n'ai pas abusé des stupéfiants du sieur Radagast, donc le faire mourir à la fin du 2, aurait été un total non-sens. Le cliffhanger de la Désolation de Smaug était un des decipit les plus violents et sombres vu dans les blockbusters de la fin de l'année 2013. Les mots de Smaug résonnaient de manière profondément historique, "Je suis la Mort, je suis en chemin". Smaug c'est la guerre, Smaug c'est l'expression du Mal, mais aussi de la cupidité humaine (ou non), de l'avarice, bref, c'est un antagoniste incroyable, et tellement incroyable que malgré sa mort, son ombre (au sens littéral ainsi qu'au figuré) plane sur tout le reste du métrage, doublement même, puisque son incroyable interprète, le fantastique Benedict Cumberbatch se retrouve thématiquement et cinématographiquement à endosser également le rôle du Nécronomancien (Sauron) dont Smaug n'est finalement que la vision (le cadrage sur son oeil dans le 2). Pas de lien entre eux réellement dans le sens adjudant-subordonné mais plutôt dans le sens adjuvant, un lien ténu sur leur interdépendance en somme.

L'apparition de Smaug au début du film est vécu par le regard de la plus "innocente" des créatures, en l'occurence Tauriel. Sa terreur de Smaug est vécu par le spectateur, avant même que le moindre carnage commence. Puis c'est l'ombre gigantesque de Smaug glissant sur les maisons la nuit qui fait suite à ce regard terrifié de Tauriel. Cette dernière enjoint la famille de Bard et les nains non présent à la montagne du Dragon de quitter les lieux rapidement. Enfin, nous voyons Smaug s'élancer dans les airs en piqué, comme un stucka allemand et enflammer les bicoques des pêcheurs du village lacustre. En parallèle de cette fuite en bateau des nains, de la famille de Bard et de Tauriel, nous suivons la propre fuite du maître (impeccable Stephen Fry dont l'interprétation n'est pas sans rappeler le gouverneur de l'île de Phatt dans Monkey Island) et de son aide de camp, Aldrich avec le trésor de la ville, à savoir certainement les réserves d'or de la ville, donc les économies des pêcheurs et de leur famille. Alfrid est victime de la cupidité du maître (un thème qui reviendra tout le long du film, en s'incarnant dans divers personnages et ce bien après le décès du dragon Smaug) et se retrouve balancé à la flotte au profit du trésor. Bard de son côté, enfermé dans les cellules du maître tente une évasion qui aura pour effet de manquer d'étrangler le maître, comme une réponse "divine" à sa cupidité. Le maître ne meurt pas mais la cellule vétuste est arraché, et voilà Bard libre. Ce dernier, au lieu de fuir, agit comme un vrai héros, en fracturant l'armurie de la ville et en récupérant un arc et un plein carquois de flêche pour tenter une action désespérée du haut d'un clocher, le point le plus haut de la ville. Smaug continue sa destruction et au détour d'un virage à travers le village attaqué, le fils de Bard, Bain aperçoit son père qui combat et qui rivalise de talent, puisqu'il fait souvent mouche sur le dragon, mais sa carapace est épaisse et il manque l'élément qui peut la percer mais que seul le fils de Bard pourra amener à son père, une flêche noire. Bain fuit le bâteau des nains, et laissant ses soeurs désemparées, il rejoint son père pour lui amener l'élément qui manque pour la destruction de Smaug, la flêche noire. Smaug passe son attaque sur Bain et Bard et il détruit à moitié le clocher qui les abrite. Dans l'attaque, l'arc de Bard est détruit et ce dernier plantant les morceaux de son arc dans le bois du clocher se sert alors de son fils comme d'un guide (à tous les sens du terme) pour la terrible flêche noire. Smaug s'élance avec la fatuité et l'orgueil qui le caractérise et en paie le prix. Dans une séquence la plus forte en émotion picturale, on avait pas vu une séquence aussi forte depuis l'attaque puis la mort du Kaiju volant dans les nuages de Pacific Rim, Smaug embrasse son trépas, et vit son agonie au firmament de Lacville avant de s'effondrer, terrassé par la mort sur la barque du maître de Lacville, on est toujours puni par là où on a péché. Smaug décédé, la bataille pour la montage commence, et Thorin se réfugie dans la montagne en quête de l'Arkenstone, même Arkenstone que Bilbo a subtilisé au dragon dans l'épisode précédent et caché dans ses haillons. 

On récupère ensuite Gandalf, prisonnier des Orcs et de leur maître, puis Galadriel arrive et aidée de Elrond et de Saroumane, elle positionne les enjeux qui vont traverser la Terre du Milieu dans le Seigneur des Anneaux. Jackson et son équipe de scénaristes réussit là où même Tolkien qui en rêvait pourtant beaucoup n'a pu réussir, créer un vrai pont narratif entre les évènements du Hobbit et ceux du Seigneur des Anneaux. Les générations futures pourront commencer par la trilogie du Hobbit et être quand même totalement surpris, lorsque Saroumane franchira le côté lumineux, alors que nous autres, nous voyons avec un brin de malice la phrase "je me charge de Sauron" car nous savons déjà le destin de Saroumane. C'est une idée proprement géniale d'avoir associé cette séquence au reste car loin d'affaiblir les enjeux narratifs de la Montagne, elle ne fait que les renforcer au contraire. On pourra toujours déplorer le côté "after effects" de Galadriel, mais personnellement, j'ai vécu cette séquence avec beaucoup d'émotion au contraire, alors même que je ne suis pas un fan du Seigneur des Anneaux la communauté de l'anneau en film.

Une fois, le destin de Sauron réglé (du moins en apparence), on revient à Lacville pour trouver dans une séquence trés inspirée du débarquement du soldat ryan, la conséquence de l'attaque et de la chute de Smaug, un village quasiment entièrement détruit d'où ne subsiste plus que des bouts de bois flottants et une population aux abois. Dans cette désolation de Smaug (l'ancien surnom de Lacville dans le roman), Jackson fait émerger du comic relief par les interventions cyniques ou humoristiques de Alfrid le bras droit du maître, personnage totalement inventé par Jackson et ses scénaristes mais qui sert parfaitement de lien à la trilogie du SDA en rappelant l'obséquieux Grima langue de serpent comme lui l'archétype du sycophante, sournois, vil et manipulateur. On se croirait presque chez Shakespeare, tant cette capacité à lier le tragique et l'humour est présente dans ce troisième opus. Alfrid donc manque de peu de se faire lyncher par la foule en colère et ne doit son salut qu'à l'intervention de Bard. Alfrid propose à Bard d'être le roi de Lacville mais ce dernier décline car il ne se sent pas les épaules pour endosser cette tâche (qu'il finira in fine par endosser d'ailleurs, bien malgré lui, mais c'est là qu'est tout l'intérêt de l'arc narratif de Bard, c'est qu'il se rapprochera au plus de sa fonction de Roi, tout en faisant tout pour s'en éloigner et servir les intérêts de sa famille avant tout). Bard demande à tout le monde de se mettre à l'ouvrage et de rassembler des vivres pour partir vers la montagne réclamer son dû à Torin.

Pendant ce temps Thranduil, fait route vers la Montagne pour réclamer lui aussi son "dû", la couronne des gemmes de son peuple. Thorin sombre peu à peu dans la folie, et Bilbo hésite à lui avouer que c'est lui qui détient l'Arkenstone. Bard vient négocier sa part du trésor mais il se heurte à un Thorin aussi fou que son propre grand-père. Bard a sauvé l'honneur des ancêtres en terrassant Smaug avec une flêche noire et à l'aide de son arc comme dans le roman mais le périple de Thorin commence à son tour. Thorin refuse de négocier avec Bard et Thranduil, il devient de plus en plus mutique, et obsédé par l'or. Il devient également paranoïaque en discutant avec Bilbo qu'il imagine le seul loyal, puis doute aussi de la confiance de ce dernier en accourant vers lui quand Bilbo tient quelque chose dans sa main, qui s'avère être un gland ramassé dans le jardin de Beorn. Thorin dans cette scène magnifique redevient pour un temps, le Thorin ami de Bilbo, celui qui a entrainé ce petit bonhomme, bien loin de son confort et de sa vie, celui qui n'est pas un héros et qui se retrouve vêtu pourtant d'une côte de maille en Mithril. Mais cet instant de grâce ne dure pas et petit à petit Thorin se transforme par un jeu de lumière, une interprétation sans faille de Richard Armitage et des effets sonores en l'ennemi qu'il a toujours combattu, Sssssmaug, pendant que les nains défilent au ralenti vers la Guerre. Cette scène d'ailleurs résonne et raisonne tout le long du métrage avec plusieurs autres dans le basculement dans la folie de Thorin.

Les elfes s'allient à Bard et décident d'attaquer la Montagne et son roi, mais Bilbo de plus en plus peiné par le comportement de Thorin, se fait la belle et fonce dans le camps des Elfes-Humains pour proposer l'Arkenstone pour traiter avec Thorin. De son côté, Legolas et Tauriel vont à Gundabad et découvre l'armée de Bolg qui se prépare au combat. Bilbo retrouve Gandalf et ce dernier le fait surveiller par Alfrid qui l'entraine en l'appelant en vf stupide Hobbit... Loin d'être un simple comic relief d'allusion au SDA, cette phrase dans la bouche d'Alfrid l'associe de manière totalement inconsciente pour le spectateur avec Gollum, dont Alfrid partage la soif de l'or et de pouvoir. Mais Bilbo fausse compagnie à Alfrid et rejoint les nains. Les orques menés par Azog passent par sous les montagnes, aidés par les Mange-Terres qui leur ouvre une issue. Les humains et les elfes se rendent à la porte de l'Antre du roi sous la Montagne et ils exhibent l'Arkenstone. Thorin croyant à une ruse, rit sous cape, mais Bilbo dévoile la vérité. Thorin fou de rage demande à jeter Bilbo par dessus les remparts mais Gandalf surgit et demande à récupérer le cambrioleur sain et sauf. Les humains menés par Bard et les elfes menés par Thranduil demandent si Thorin veut la paix ou la guerre. A ce moment donné, un corbeau arrive vers lui et il comprend que son cousin Dain, vient d'arriver avec ses troupes, il répond donc la guerre. Dain s'avance et va commencer à se battre contre les elfes, quand soudain, les mange-terres finissent leur travail de sape et l'armée de Azog (dans le livre, il s'agit de Gobelins et de Wargs) surgit sous leurs pieds quasiment. Face à cette nouvelle menace, les nains et les elfes s'allient et le combat commence.

Le combat, on s'en fout, c'est un combat, ça se vit, ça se raconte pas, donc passons à la résolution des arcs des personnages, et à la symbolique de leurs parcours. Thorin, pendant que la bataille fait rage, se dispute violemment avec Kili, puis avec Balin et Dwalin qu'il menace quasiment de mort, le Mal du Dragon s'est totalement emparé de son âme, et il est en train de devenir fou comme son grand-père. Mais, quittant le combat, combat dans lequel son cousin Dain est en train de perdre et son peuple en train de se faire massacrer, il se retire dans la salle au parquet d'or, la même salle qui était dans le deuxième film, l'endroit où a été piégé la fierté et l'orgueil de Smaug, en plus de son avarice. Thorin va se confronter à sa soif de l'or, en soignant le mal par le mal, et dans une scène digne de la scène de folie de Mumble dans Happy Feet, ou du Roi Lear ou d'Hamlet pour rester chez William le grand, il va entendre toutes les voix de ses amis et ennemis se mélanger dans sa tête, avec en plus la réminiscence de la faute grand paternel ("je ne suis pas mon grand père" revenant plus de 3 fois dans sa torture mentale), puis se laisser engloutir par sa soif d'or pour mieux la combattre, car il comprend bientôt que pour résister à la plus grande des tentations, le meilleur moyen c'est d'y céder complètement.

Ainsi, dans une scène magnifique, où l'ombre de Smaug vient lui glisser sous les pieds dans le parquet, avant que tout le parquet ne devienne un immense sable mouvant qui l'engloutit littéralement, Thorin combat son ascendance pour assurer le futur de sa descendance. Cette scène magnifique aura d'ailleurs une vrai correspondance dans le combat final contre Azog mais on en reparlera en temps voulu. Il sort de cette transe complètement changé, et redevient le roi sous la Montagne qu'il n'a jamais réellement cessé d'être. Il effectue une sortie en défonçant à l'aide de la grosse cloche de la Montagne les barricades que sa folie lui avaient fait ériger et c'est une armée rassérénée par l'irruption de son roi qui rejoint la bataille.

De son côté, Bard sauve la vie à ses enfants, et se positionne encore plus en futur roi de Lacville sans jamais en avoir souhaité le dessein. Et Alfrid, le côté obscur de Bard lui, prouve un peu plus sa couardise et sa fausseté, en désertant le champ de bataille pour une jarre de pièce d'or, rejoignant encore plus Grima et Sméagol dans le savoir du spectateur de la trilogie. Chacun est dôté de ce qu'il recherche, dans un superbe travelling digne de Last Action Hero de John Mc Tiernan, à la question, "pourquoi refuser d'être le maitre et de prendre le pouvoir", Bard dévoile sa famille derrière lui avec le thème de Bard de Howard Shore.

Thranduil, voyant son peuple décimé et le nombre d'elfes morts pour la folie des nains, et de Thorin surtout, décide de lever le camp, mais il se retrouve face à Tauriel qui le menace de son arc, lui disant que son coeur est fermé à l'amour et que les nains vont se faire massacrer sans leur aide. Thranduil fend l'arc de Tauriel en deux, et la menace de son épée mais Legolas intervient et par amour pour celle qui ne l'aime pas, sinon par respect pour les convenances de sa race, et lui emboite le pas pour aller sauver Kili.

Bilbo fidèlement au livre de Tolkien est assommé au quasi début du combat, sauf que c'est dans Ravenhill et ne participe que de trés loin à l'assaut final. Fili et Kili sont tués par Azog et Bold, respectivement, donnant enfin à cette phrase "et dans la bataille des cinq armées, furent tués, Fili, Kili et Thorin", le flot de larmes que j'ai toujours désespéremment regretté de mes 20 lectures du livre même si leurs morts est quand même touchante du fait de l'attachement qu'on ressent pour eux pendant la lecture mais rien ne remplacera jamais l'image. Fili meurt en combattant, piégé par l'immonde Azog qui le poignarde et le jette à bas des remparts sous les yeux de son frère Kili qui ne pourra même pas lui dire adieu, et Kili lui meurt, poignardé par Bolg sous les yeux de sa dulcinée (entre temps, Legolas, vient se battre avec Bolg pour sauver Tauriel) mais en combattant lui aussi.

Thorin, affronte Azog sur la glace, dans un combat qui rappelle par sa mise en scène, le combat contre l'or, puisque se servant de la propre suffisance de Azog, il entraine ce dernier dans un piège nautique où chacun joue sa mainmise sur un territoire (encore une scène aux résonnances vertigineuses), et lorsque Azog comprend qu'il a été feinté, c'est trop tard, il coule et passe sous la glace devant Thorin, rappelant en cela au spectateur, que le Roi des Gobelins, Smaug et Azog étaient autant de figures perverties de ce qu'aurait pu devenir Thorin si il avait succombé à sa soif de l'or. Azog jailli de l'eau et tue Thorin, qui meurt en combattant, mais surtout qui laisse glisser son épée, ce "suicide" lui permettant de poignarder à son tour Azog à mort. Les Les Aigles jaillissant de derrière l'épaule de Thorin au ralenti, et venant ainsi sublimer le roi sous la Montagne. Thorin n'a pas sa place dans un monde ainsi fait, et comme le dit Balin à la fin à Bilbo, "des histoires seront comptées, des chant seront chantés et Thorin deviendra une légende". Ainsi s'éteint la lignée de Durin, dans la bravoure.

Bilbo se réveille de sa torpeur, et court vers Thorin, agonisant. Ce dernier dit adieu à Bilbo, s'excusant pour son attitude indigne d'un roi, il lui enjoint de quitter la Montagne et de rentrer chez lui planter ses arbres, et les regarder pousser, et il déplore que le monde soit si peu rempli de gens plus intéressé par la culture de leur jardin que par l'or et le pouvoir. Après cette sentence digne du Candide de Voltaire "tout est au mieux dans le meilleur des mondes possibles dit Panglophe, oui mais il faut cultiver notre jardin répondit Candide", il meurt pardonné, pendant que Bilbo dans une séquence tragique touchant au sublime, montre les Aigles à son ami qui n'est déjà plus de ce monde, frissons et sanglots en perspective.

Thranduil rejoint son fils et Tauriel, Legolas s'engouffre dans le tunnel et dos à son père lui dit qu'il ne rentrera pas. Son père lui conseille d'aller chez les Dunedains, voir un jeune rôdeur qui à eu un père trés bien et qui promet lui d'être exceptionnel. Le raccord avec Grand Pas est effectué pour le spectateur, et ce même si Aragorn a probablement dix ans environ. Tauriel dont l'histoire avec Kili sert finalement à montrer la future amitié entre les nains et les elfes, préfigurant le "couple" Gimli-Legolas demande dans une scène que n'aurait pas renier encore une fois Shakespeare a être délesté de l'amour si cette souffrance s'y apparente, ce à quoi Thranduil répond que si elle souffre tant c'est probablement que cet amour est vrai, faisant par là même comprendre, que si lui ne pleure pas la mère de Legolas et sa femme, c'est parce que ce n'était qu'un mariage arrangé de classe et certainement pas le "true love" dont parle Thranduil. Quand à la phrase de Thranduil, elle prend une grande signification, une "vertigineuse signification même", lorsqu'on la rapproche de toute l'entreprise Jacksonienne, à savoir l'intérêt de la HFR pour rendre réel et palpable la Terre du Milieu comme prolongement du réel, et non comme une simple histoire ou légende (pour reprendre le propos attribué plus tard par Balin à Thorin) (copyright également de l'idée, Denys Corel, du moins si on l'a compris dans le même sens).

Bilbo se laisse aller à sa douleur, et finit par s'assoir sur une pierre, pendant que les nains revenus du combat victorieux se laisse aller eux-aussi en rendant un dernier hommage à leur roi. Gandalf arrive, et dans une scène muette magnifique où Gandalf ne sachant que dire pour lui apporter un peu de réconfort, et Bilbo portant tous les stigmates de la fin de son voyage initatique lui aussi mutique, se comprennent dans leur souffrance quand le Magicien gris s'occupe en nettoyant sa pipe.

S'ensuit une deuxième magnifique scène, où la phrase sur la légende de Thorin est prononcée par Balin et où Bilbo, répond "il n'était pas ça pour moi, il était, il était, il était" mais aucun mot ne sort car la douleur est encore trop forte. La séquence se conclut par Bilbo qui demande à Balin de dire au revoir aux nains pour lui, et ce dernier lui sourit tristement en lui conseillant de le faire lui-même, à ce moment, tous les nains moins trois sont alignés devant la porte de la Montagne, eux aussi à jamais changés, et Bilbo les convient avec une touchante émotion à venir boire le thé, un jour ou l'autre, sachant pertinemment qu'il leur dit en réalité ici adieu.

Bilbo part en emportant le bouclier de Kili sur ses épaules et son 1/14 du trésor, un coffre d'or et d'argent.Gandalf chemine avec lui et parvenu aux abords de Hobbit-bourg, ce dernier lui dit à son tour adieu, en lui disant de faire attention, qu'il sait que Bilbo a en sa possession un anneau de pouvoir, (sans dire que c'est l'anneau unique, donc le lien avec le SDA est maintenu) et qu'il faut faire attention avec ce genre de magie noire, ce à quoi Bilbo répond qu'il l'a perdu pendant la bataille. Gandalf disparaît et Bilbo retrouve son foyer, entièrement perturbé (tout le monde le croit mort et on est en train de vendre ses affaires aux enchères). Il redonne son identité, car il a changé physiquement et même sa propre société ne le reconnait pas ou fait mine de ne pas le reconnaitre. Il donne comme preuve le contrat de Thorin, et entendant son nom par le commissaire priseur, il peut enfin dire, la douleur étant un peu atténuée : "il était mon ami".

Bilbo pénètre dans sa maison vide et vidée de toute présence, le spectateur attentif, se rappelle des scènes d'entrées des nains dans le 1 et comprend toute l'importance que leur absence revêt dans le 3. La musique de Howard Shore rejoint d'ailleurs dans ses toutes premières notes lorsque Bilbo pousse la porte de sa demeure vide, la puissance évocatrice primale de celle de Michael Giacchino dans Lost. Bilbo se penche et ramasse le portrait de ses parents qu'il raccroche au mur, rejoignant la thématique de Bard sur l'importance du "foyer", et il s'assied dans un fauteuil, alors que par un effet de caméra (contreplongée, visage de profil et semi-grimaçant), on s'aperçoit que l'anneau unique est en train d'essayer de le changer en un nouveau Sméagol. En un raccord mouvement sur l'anneau et sa main ridée, on retrouve le vieux Bilbo, et la fin comme elle est écrite dans le roman "Et pour les trés vieux amis ? Gandalf ! ... Avec la finesse qui le caractérise, Jackson délaisse les retrouvailles visuelles pour pouvoir cadrer une autre forme de retrouvailles, la carte qui témoigne de toute l'aventure passée, et de celle à venir par la descendance de Bilbo. Le lien est fait, ce Hobbit 3 annonce et réussit quasiment tout ce qu'il a entrepris depuis le premier film, à savoir faire ce que Tolkien a toujours voulu faire mais jamais pu réaliser, faire du Hobbit, une nouvelle trilogie apportant un lien efficace et réel avec la trilogie du Seigneur des Anneaux.

Le générique de fin est tellement magnifique, et approprié, par la si belle voix de Billy Boyds que je ne peux que me résoudre à vous laisser quitter ce blog et la Terre du Milieu au son de sa voix et des premières paroles de la chanson : https://www.youtube.com/watch?v=r5dKnhgIQpA 

I saw the light fade frome the sky

On the wind i heard a sigh

As the snowflakes cover my fallen brothers

I will say this last goodbye

[...] I bid you all a very fond farewell.

En 2002, Danny Boyle donnait une cause à ses zombies, délaissant la doxa populaire du fantastique pour les relier un tant soit peu à la science. Puis en 2004, Zack Snyder, dans son film à mon sens le moins creux, révolutionnait le mythe zombie en les dotant pour la première fois du pouvoir de courir. Les gamins élevés à Romero et à Resident Evil que nous étions alors, habitués à la peur du nombre, plus important facteur d'épouvante que la vitesse ne s'en sont pas remis. Mais 2012 (2014 en dvd) va marquer grâce à Jeremy Gardner, un autre jalon du film de zombie. Débutant sur un long plan fixe avec un joueur de baseball assis sur une marche d'un pavillon de banlieue, on se croirait presque dans un Gus Van Sant. Le plan dure, dure, le jeune homme ne fait rien (ou presque) et puis d'un coup d'un seul, c'est l'emballement. Un deuxième jeune homme sort du pavillon, un flingue à la main, suivi par un zombie, et là le film est lancé. Et tout le long du métrage va osciller dans cette direction du film de zombie indépendant. Tourné avec environ 6000 dollars, ce film ne lésine pourtant pas sur un excellent storytelling, preuve qu'aux âmes bien née, la valeur n'attend point le nombre des années. Mais ce qui aurait pu paraitre vain ou ennuyant à mourir (cf Gerry dont je ne me suis personnellement toujours pas remis, désolé pour les puristes), s'avère au final une excellente manière de décrire cette épopée post-apo. Car, plus que de zombie, le but de cette aventure va être pour les deux joueurs (à des postes différents) qui plus est de cohabiter, et de devenir ami, car ils ne se connaissent apparemment pas plus que ça.

Du phénomène, on n'en entendra jamais parler, si ce n'est par des messages radios interposés, message d'autant plus confus qu'ils sont relativement vagues. Pas de cause scientifique, pas non plus de cause fantastique, bien que le terme Zombie finisse par remplacer celui d'Infectés, pas de cause du tout en fait. Le réalisateur, ici également scénariste ne s'embarasse pas d'une justification de ses zombies. Ils sont là, point barre. Le film est réellement réjouissant, car avec trés peu d'effets (impact de balles, un peu de sang, un montage parfois cut), et des plans caméras assez minimaux, il arrive quand même à installer une ambiance plutôt pesante et poisseuse.

Le film a même certains délires régréssif, comme lorsque un des deux protagonistes a certaines privautés sur son corps dans sa voiture bien à l'abri,en regardant une zombie fille qui gratte derrière la vitre, et plutôt sexy il est vrai. Au-delà du caractère absurde et décalé de la scène, cette dernière vient rappeler intelligemment que zombie ou pas, les infectés restent des humains. Il ya un petit côté Je suis une légende de Matheson qui est habilement distillé dans le film. Il est d'ailleurs fait allusion à une compagne du héros, avec une scène qu'on pourrait accoler en miroir de celle-ci où le héros sent une petite culotte de sa fiancée prise dans un des tiroirs dans sa maison vide et embarque le parfum de cette dernière. On ne saura pas si sa fiancée a survécu ou non, ni si quelqu'un d'autre a survécu, à l'exception de ce camp retranché, baptisé le "Verger", et qui dispose d'essence, de véhicules, d'armes et de troupes. Un des protagonistes parlera d'ailleurs au Talkie Walkie avec une des membres, Annie, sans succès apparent, du moins dans un premier temps.

Le but étant bien entendu de te donner envie de voir le film, ami lecteur, rien ne sera révélée de la fin du film. Juste un regret personnel, que le groupe le "Verger" ne réapparaisse pas, le film aurait pu durer une petite demi-heure de plus, ça aurait été superbe. Peut-être que le réalisateur se laisse une porte de sortie pour un éventuel 2, ou une série tv. En tout cas, personellement si ce n'est pas le cas, je l'encourage grandement à le faire, tant ce groupe "le Verger" avec ses allures de "les Autres" de Lost, ou les Guilty Remants de Leftovers donne envie d'en savoir bien plus.

Dernier réflexion, à propos du titre, "The Battery"' selon wikipédia, le terme Batterie en anglais est un terme qui renvoit 

"Au baseball, le terme batterie (en anglais battery) désigne le couple lanceur/receveur1 de l'équipe en défense. Ces joueurs sont respectivement notés 1 et 2 dans l'alignement défensif.

Origine[modifier | modifier le code]

Henry Chadwick

Le terme "batterie" au baseball a été inventé par Henry Chadwick dans les années 1860 en référence à la puissance de feu des lanceurs d'une équipe. Il faisait allusion aux batteries d'artillerie utilisées lors de la Guerre de Sécession.

Plus tard, cette notion évolue pour désigner l'efficacité du duo composé du lanceur et de son receveur. Leur performance combinée est primordiale pour le succès d'une équipe en défense."

Un titre symboliquement parfaitement trouvé, puisque ce dernier duo, devra apprendre à se connaitre pour fonctionner correctement ensemble, notamment d'un point de vue "défensif" contre les zombies. Puisque leurs armes se résument à deux battes de baseball et un revolver.

Le terme battery peut également désigner les batteries d'un chargeur, dans le sens où un des protagonistes ne peut avancer que si il a son walkman sur les oreilles. Et ce dernier change sans cesse les piles parce qu'il a besoin de sa musique pour vivre, de la même manière que son camarade charge sans cesse son revolver, parce qu'il en a besoin pour vivre. Mais un walkman sur les oreilles, ça distraie des zombies comme le lui dira son ami. Ce dernier va d'ailleurs confronter le mélomane à la peur des zombies en lui jouant un mauvais tour mais qui va le faire grandir.

En bref, si vous avez adoré l'armée des morts, Resident Evil le film, ou autre World War Z, ce film ne risque pas vraiment de vous séduire, mais sait-on jamais. Par contre, si vous aimez Romero, Resident Evil le jeu vidéo, les films indépendants avec une vraie ambiance et de vrais idées de mise en scène, alors n'hésitez pas et foncez voir ce The Battery. Un réalisateur à suivre, pour un film qui serait le Into the Wilde ou le Gerry du film de Zombie, mais un Gerry cool (oui promis, j'arrête).

Sortie le 5 aout 2014.  Zylo.

Aucun Bonus. Film en VOST  français.

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Ceux qui me lisent depuis quelques temps déjà, savent que même si je ne crache pas sur un film asiatique ou deux, je ne suis pas ce qu'on pourrait appeler un afficionado, donc toutes mes excuses si je dis des conneries ou que je froisse des sensibilités. 

Le film asiatique d'aujourd'hui est un film du réalisateur chinois Johnnie To dont je n'ai vu et je m'en excuse, aucun de ses films. Ceci étant, vu la découverte qu'a été celui-là, ça risque probablement de changer dans les mois à venir. Attention quand même, je connais son nom, et j'ai déjà entendu parler de ses films, même de loin. PTU, Election, ou le récent Vengeance avec Johnny Halliday, mais je ne les ai jamais vu.

J'en profiterais donc pour commencer par un petit point culture sur Johnnie To "Johnnie To est engagé à 17 ans comme assistant administratif pour une des principales chaînes de télévision de l'ancienne colonie britannique, la TVB. Quelques années plus tard, il produit des séries, toujours pour le petit écran. En 1980, il passe le cap de la réalisation en tournant The Enigmatic case, un film d'aventure médiéval qui ne connaît aucun succès. Après six ans de travail sur des séries télés, il tourne en 1986 Happy Ghost 3, son second long métrage." (source  : allociné)

Drug War donc qui date de 2012 mais qui n'est sorti en dvd et bluray en France que cet été raconte sur fond de guerre des gangs, la traque d'un policier des stups chinois envers un dealer chinois lui aussi. Et inutile de le dire mais on va quand même le dire, on est loin de Julie Lescaut ^^. Et loin du cinéma américain d'action aussi avec ces héros qui s'en sortent tous en tuant les méchants. Là c'est beaucoup plus ambigue, beaucoup plus fin. 

Le film s'ouvre sur une scène en apparence what the fuck mais qui a pourtant tout à voir avec l'histoire qui nous occupe. Une voiture dont le passager semble être en proie à une overdose (ou alors il conduit vraiment trés trés mal) fait de grand zig-zag sur une route commerçante d'une ville avant de finir par s'emplafonner dans un restaurant chinois. Noir. On se retrouve dans un camion qui roule sur une autoroute avec deux chauffeurs chinois, et deux hommes qui les suivent en voiture dans ce qui semble être une filature de stups. Puis retour à l'homme de la première voiture qui est hospitalisé. Il tente de s'enfuir mais la police le rattrape. Il s'agit d'un trafiquant de drogue, Choi Min, impeccablement campé par Louis Koo, véritable MacBeth du film. Le commissaire Zhang (Honglei Sun) lui rappelle qu'il est coupable d'avoir fabriqué et dealé des tonnes d'amphétamines et que pour seulement avoir produit 50 grammes, on est condamné à mort en Chine. Ce dernier veut se racheter, et ne voulant pas mourir, propose au commissaire de lui livrer ses principaux acheteurs, et les responsables de la plaque tournante du trafic. Zhang a contrecoeur accepte, et rencontre le dénommé Hoho en se faisant passer pour Chang, bras droit de Oncle Bill, le chef de la mafia. Bill conclue le deal avec celui qu'il croit être Chang, puis part vaquer à ses affaires, pendant que Zhang qui a enregistré toute la conversation avec son équipe de policier en sous-marin dans une chambre voisine de l'hôtel de la rencontre, prend la place de Hoho pour rencontrer le véritable Chang. On se retrouve donc tour à tour dans un suspens à couper au couteau, puis dans du vaudeville pratiquement, et le réalisateur gère trés habilement le passage de l'un à l'autre. Chang apporte de l'héroïne pure en cadeau à Hoho, ou du moins celui qu'il croit être Hoho, et Zhang n'a d'autre solution que de "sniffer" le rail de bienvenue, puis celui offert par Oncle Bill. Chang propose un troisième rail mais Choi Min lui tape sur le bras, lui signifiant que les "cadeaux" consécutifs risque de tuer Hoho qui ne prend pas de sa propre drogue, même si il en vend. Chang s'en va et Zhang, manque de mourir d'une overdose. C'est Choi Min qui le sauve en lui ordonnant de prendre un bain glacé, de boire de l'eau,et de vomir. Zhang a une dette envers Choi Min qui lui a sauvé la vie. Choi Min passe à son entrepot secondaire (toujours surveillé en sous-marin par Zhang et ses hommes) avec le vrai Hoho et sa femme et apprend à ses employés muets que sa femme à lui et ses deux frères sont morts dans l'explosion d'un autre entrepot. Il semble trés ému et n'a pas eu le temps de leur rendre honneur. Les muets décident de brûler des billets de banque pour remplacer le cérémonial de l'encens. Zhang et son équipe interviennent et capture le vrai Hoho, sa femme, et manque de capturer les mulets mais deux s'échappe en tuant plusieurs policiers. Choi remplit son camion de drogue et se rend, toujours accompagné de Zhang qui se fait passer pour Hoho au rendez-vous avec Oncle Bill. Choi Min lui apprend que Oncle Bill n'est qu'une couverture et que le trafic est en fait géré par 7 personnes différentes. Oncle Bill  et Chang méfiants, demandent à Hoho (ou du moins le croit-il) de faire partir certains de ses bateaux, puis tous ses bateaux comme preuve que les navires sont bien à lui. Zhang s'exécute, aidé de ses policiers des stups qui sont à bord de chacun des bateaux.

A ce moment du film, on bascule presque dans du Meville, ou du Michael Mann, la poésie qui se dégage de ce "lâcher de bateau" est sublime. Bien évidemment, mon but est de vous donner envie de voir le film, donc je n'en révèlerais pas la fin, mais c'est un film policier, viscéral, âpre, avec de trés belles scènes poétiques, voire même drôles, qui sont immédiatement suivies de scènes d'une grande violence, ou de manipulation, voilà pourquoi ce film m'évoque fortement le théâtre du grand William Shakespeare, écrivain qui savait à merveille passer d'un genre à l'autre, dans un claquement de doigt, ici un claquement de feu.

Un petit mot à rajouter sur la musique qui est celle d'un français, Xavier Jamaux, un habitué des productions asiatiques, et qui correspond parfaitement à ce qui se passe à l'image. Le thème du film est lancinant et triste mais dépeint parfaitement l'atmosphère voulue par le réalisateur.

BONUS : Les bonus du bluray sont plutôt chiches, puisque outre quelques bande-annonces, il n'y a qu'une simple featurette en guise de "coulisses du tournage" à se mettre sous la dent. On aurait apprécié pour un tel film, quelque chose de plus conséquent comme un commentaire audio ou un making of fourni, (ne serait-ce que pour décortiquer les nombreuses séquences de fusillades, admirablement gérée).

Enfin, ce n'est pas cette pauvreté de bonus qui va vous empêcher de découvrir cet excellent film, dont on se demande d'ailleurs pourquoi il n'est jamais sorti en France. Car du direct to dvd ou bluray de cette qualité, on en demanderait bien plus souvent.

Sortie en dvd et Bluray le 18 Juin 2014. Distribué par la Metropolitan Filmexport.

Retrouvez sur Cinetrafic ce film et bien d'autres films dans la catégorie - film policier 2014 et films d'action.

Retour aux analyses spontannées de ce blog, c'est à dire sans "commande" extérieure. Pour ceux qui apprécient les chroniques pour le site Cinetrafic, elles reviennent trés vite avec un film français indépendant et le film Drug War. Depuis Gravity, je n'avais pas ressenti le besoin ou l'envie de me plonger dans une analyse, disons qu'aucun film n'était venu titiller mon intellect et mon émotion car chez moi l'un ne va pas sans l'autre. Après avoir quasiment renoncé à parler de Pacific Rim et de la profondeur de son sous-texte, tant la tâche m'apparait ardu, et ne pas trouver l'angle pour aborder la richesse du dernier X-Men, j'ai eu la joie d'être frappé par un film que j'attendais ardemment et qui s'est révélé satisfaisant au-delà de toute espérance : La Grande Aventure Lego (Lego Movie).

j'attendais ce film à plus d'un titre, d'abord, parce que même si je lui ai toujours préféré les Playmobils pour sa narration j'ai toujours été fasciné par le pouvoir créatif des Legos. Et puis, le postulat final du film est trés proche d'une nouvelle que j'ai écrite (avec des Playmobils ceci étant). Le film Lego Movie arrive à ce double exploit de mettre en avant la narration tout en ne mettant pas de côté la joie jouissive du n'importenawak de création legoesque.

Lego Las

Nous devons Lego Movie aux créateurs du génial Tempêtes de Boulettes Géantes (Cloudy with Meatballs). Ce film créatif et sensoriel fou, avec un message pas si simpliste qu'il n'y parait. Rassurez-vous, amateur de dédales labyrintiques mentaux, Lego Movie leur nouveau projet ne faillit pas à la règle. Ce même Tempêtes de Boulettes Géantes dont le surestimé et surinterprétatif Alain Korkos qui n'avait pas vu le film conspuait le dit projet sur son seul nom -"Je vous laisse juger de l'intérêt de la 3D, "Tempêtes de boulettes géantes" (sic), c'est crétin, je n'ai pas vu le film mais ça situe le niveau"- Quelque chose dans ce goût là, la phrase témoignant en elle-même de l'intelligence et de l'ouverture limitée de son pseudo "journaliste". Mais le but n'est pas de tirer sur l'ambulance, juste de s'autoriser une private joke pour quiconque a fréquenté un temps arrêt sur images et se rappelle des propos abscons de celui qui voit un peu tout et n'importe quoi dans l'Art.

Et justement, d'Art, il va en être ici question, aussi bien en termes de techniques, de créativité que du sens premier du mot Art, l'Alchimie, mais nous y reviendrons. Lecteur, si tu veux poursuivre plus loin la lecture, sache qu'il y aura moult spoilers dont la divulgation de la fin du film, donc si tu ne l'as pas vu, arrête ici ton périple. Si tu l'as vu, ou que tu as soif de symbolisme, alors plongeons ensemble dans les profondeurs du terrier du Yellow King ^^.

Après 5 visions du film Lego, et même si 7, ou 9 aurait été plus utile (Alchimie oblige), je pense être à même d'avoir à peu près entrevu la complexité du récit de Chris Miller et Phil Lord. La force du film étant que cette complexité ne fait jamais écran avec l'envie de fun et de pur entertainment du spectateur.

Ainsi, le récit premier du film raconte l'histoire de Emmet Brickowski (-on y reviendra ^^), simple ouvrier du bâtiment, employé par la société Octan, qui vit dans un monde idylique ou tout le monde ou presque pense pour lui, et où tout est super génial comme le crache la radio non-stop par le meilleur, le seul tube du top 50 et où la seule pensée philosophique se résume au titre du soap le plus vu (sans doute le seul) Où est mon pantalon ?. Emmet à la manière de Truman dans le Truman Show connait pratiquement tout son quartier (jusqu'au nom des chats de sa voisine), et tout le monde le connait ou du moins le croit-il. Emmet se lève le matin en utilisant les instructions, il se conduit dans sa maison en utilisant les instructions, dans la rue en utilisant les instructions, jusque dans son travail (détruire des bâtises biscornues pour monter des beaux immeubles bien lisse)il utilise les instructions. C'est donc le parfait automate dans un monde parfait. Mais sa rencontre dans le chantier désaffecté avec la "pièce de résistance" va bousculer son monde, ses certitudes, et sa petite vie rangée.

A la manière de Neo et suivant en cela le parcours du héros de Campbell, Emmet va être appelé à une aventure plus grande que lui, lié à la pièce de résistance malgré lui, et on voit la force de la métaphore, puisque Emmet sera au sens premier "la pièce de résistance" de Brickville. Les réalisateurs truffent le film d'idée visuelle folle (4 par plan) et de symbolique. Par exemple, lorsque poursuivi par les sbires de Lord Bizness, Emmet se pose la question de son identité troublée, une maison (le corps en symbolique et le moi) vient s'échouer sur la route, et il va la traverser de la cave au grenier, avant de sortir avec fracas par le Vasistas en ayant trouvé à peu près qui il est. Libéré de son statut d'ouvrier au service d'Octan, il entreprend un parcours initiatique qui se cloturera par sa "mort" et sa resurrection. 

L'histoire peut sembler à première vue être un copycat d'assez bonne facture de Matrix, ou de n'importe quel utopie ou uchronie de la littérature ou du cinéma, parsemée de références aux Lego, sauf que de mentions du terme Lego, il ne sera pas une seule fois fait allusion dans le film, pas même dans sa dernière partie. A première vue seulement, car le pur génie de ce film est que toute l'histoire de Emmet n'est que mentale. En effet, SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER à la fin du film, Emmet tombe dans "l'abîme infini du grand rien" et se retrouve sur le tapis d'un diorama immense de Lego. Et il s'aperçoit qu'un enfant est en train de jouer avec ce lieu gigantesque et sa condition de jouet lui saute aux yeux encore plus violemment que dans Last Action Hero (où Slater dissertait sur la violence de ce que les scénaristes lui faisait subir puisqu'il n'était rien de plus qu'un épouvantail, un simulacre de vie fantasmatique).

Ainsi, toutes ces allusions, toute cette dictature, toute cette vision de ce monde idylico-horrible (quoique la Resistance soit guère plus idéale que la Dictature, on y reviendra) n'est que l'imaginaire d'un enfant en conflit avec un Père qui ne le laisse pas jouer avec son diorama. La fin du film peut donc se voir comme le triomphe du pouvoir de l'imaginaire enfantin sur le monde tristounet et horrible des adultes. Certes, sauf que ça serait un peu trop simple pour les créateurs de Tempêtes de Boulettes Géantes. Et avec cette fin, comment expliquer que Emmet s'affranchisse de l'imaginaire de l'enfant. Car une fois sorti de l'abîme du grand rien, l'animation 3D en synthèse ; Emmet devient un personnage Lego en dur mais doué en revanche d'une vie propre. Ce n'est plus l'enfant qui meut Emmet, encore moins son conflit paternel, c'est Emmet qui s'émancipe de son "créateur" pour agir lui-même. On en vient donc au sous-texte du film, et au pourquoi Emmet se nomme Emmet.

Lego Lem

Le prénom Emmet a un sens, et pour le comprendre, il faut ami lecteur, plonger dans les méandres de l'Alchimie, l'Art donc. Il faut remonter jusqu'au mythe Juif du Golem. 

Le Golem (hébreu : גולם « embryon », « informe » ou « inachevé ») est, dans la mystique puis la mythologie juive, un être artificiel, généralement humanoïde, fait d’argile, incapable de parole et dépourvu de libre-arbitre façonné afin d’assister ou défendre son créateur.

Déjà mentionné dans la littérature talmudique, il acquiert une popularité considérable dans le folklore juif d’Europe Centrale. Dans l’une des versions les plus populaires de sa légende, reprise par certains contes chrétiens, il naît de la terre glaise après que quatre sages, figurant les quatre éléments, ont pourvu sa matière informe de leurs attributs ; sur son front figure le mot emet (« vérité ») qui devient, lorsque sa première lettre est effacée, met (« mort »), faisant retourner l’homme artificiel à la poussière.

Et c'est précisément le parcours que va emprunter (sans mauvais jeu de mot) notre Emmet. Car il débute sa quête totalement dépourvu de libre-arbitre, façonné selon son créateur (l'enfant) et servant les principes de son monde (la dictature de Brickville, puis la "dictature" de Cloud Cukoo Land. Il va tour à tour être appelé Elu par Cool Tag, et par Vitruvius et ces deux personnages (eux-mêmes gérés par le créateur) vont lui inculquer en tête l'idée qu'il est l'Elu, puis qu'il ne l'est pas. Mais c'est après sa mort (voulu par son créateur) et sa chute dans les limbes de l'abime infini du grand rien que Emmet va être Met, puis revenir en étant changé, et en ayant compris et décidé son choix d'être l'Elu, et plus seulement parce qu'un autre le lui aura dit mais parce qu'il l'aura décidé et compris.

On en revient à Matrix, mais pas seulement au seul premier opus, mais aussi à ses suites, Reloaded et Revolutions qui marquent cette compréhension du conditionnement. Ce n'est donc pas un hasard de la part des scénaristes-réalisateurs si Emmet se nomme Brickowski ou encore si dans le film on voit apparaitre de manière quasi subliminal les Lego Speed Racer, la deuxième oeuvre phare du duo qui mettait déjà en avant un besoin pour son personnage de se "transformer".

Plus haut j'ai émis l'hypothèse que le monde des nuages que Emmet rejoint après sa fuite avec Cool Tag est une "dictature" également. Les auteurs sont allés chercher trés loin cette référence, puisque dans la pièce de théâtre, d'Aristophane les Oiseaux, nous trouvons un monde dans les nuages où se sont rassemblés les penseurs pour fuir la corruption de leur capitale.

"Deux Athéniens, Évelpide et Pisthétère, fatigués d'Athènes, fuient cette cité gangrenée par la corruption, les procès et les démagogues. Ils atteignent la demeure de Térée, ancien roi de Thrace transformé en huppe. Ils persuadent l'assemblée des oiseaux de fonder dans les airs une cité, d'où les intrigants, sycophantes, sophistes et orateurs sont exclus. Térée se charge de convaincre son peuple adoptif de l’intérêt d’accepter parmi eux les deux Athéniens. Ceux-ci proposent, en effet, de rendre à la gent ailée le pouvoir que lui ont volé les dieux. Ils fondent ainsi, entre terre et Olympe, Coucouville-les-Nuées, (en grec ancien, Νεφελοκοκκυγία) une cité dont la situation idéale permet d’assujettir les hommes et de profiter des fumets sacrificiels destinés aux dieux.

Coucouville les nuées (-soit la traduction exacte de cloud cukoo land) est un état excessivement idéaliste où tout est parfait. Dans le film, Cloud Cuckoo Land est la maison de la princesse Unikitty (Uniquity (unicité) en phonétique), une terre dans les nuages ​​où il n'y a pas de règles, pas de limites et où on dit Non à quasiment tout ce qui pourrait perturber le bonheur de la Cité, soit donc le principe même d'une dictature. D'ailleurs en VO, comme en VF, la princesse Unikitty peut aussi s'entendre Iniquity (inicité) soit donc le caractère de ce qui est injuste, partial, dépeignant bien la duplicité de cette dernière, duplicité qui sera illustré dans le film par son caractère changeant (passant de la plus grande joie à la plus grande colère en une fraction de seconde).

Les auteurs nous font donc entrevoir les deux facettes de la dictature, un lieu où il n'existe que des règles et un lieu où il n'en existe aucune. Le message du film, étant plus de trouver sa place en utilisant les règles pour changer le monde qui nous entoure. On est donc bien loin du simple et naïf "le plus important c'est le monde rêvé avec des yeux d'enfant, ou l'imaginaire de l'enfance triomphe sur le côté amer et désenchanté des adultes" comme on a pu le lire un peu partout sur les critiques presse et public de personnes qui ont entrevu le film par le petit bout de la lorgnette, se satisfaisant non pas de ce qui était dans le film, mais de ce qu'ils voulaient qu'il y soit.

Ce début d'analyse est bien entendu plus que non exhaustif et il faudrait plusieurs dizaines de pages pour retranscrire toutes l'intelligence des références des créateurs (notamment leur réutilisation des "robots-et" de Carpenter dans "Invasion Los Angeles" (They Live).

On est donc comme nous venons de le voir clairement trés loin du simple film concept pour vendre des Lego (on est d'ailleurs pas bien sûr que la marque en ait réellement besoin, contrairement à des licences plus cynique comme Transformers par exemple) comme l'ont dit les mauvaises langues. Et même si la charge contre la société de consommation est présente dans le film, et intelligemment présente, elle ne constitue heureusement pas le seul intérêt du film. 

Le récit premier du film est accessible et largement suffisant pour quiconque veut un film fun et sans prise de tête, un concept clair qui met en avant le pouvoir de l'enfance et de l'imaginaire sur la triste vie morne et glacée des adultes, MAIS pour quiconque dépasse ce simple stade, chaque nouvelle vision s'enrichit de la précédente et le film finit par devenir un miroir de la condition humaine face à l'immensité de l'Univers ainsi que la recherche par l'humanité d'un célèbre Père et de son non moins célèbre Fils (et ce sans aucune portée uniquement Chrétienne) ^^. Chris Miller et Phil Lord rejoignent à leurs tours la petite famille des cinéastes cosmogoniques qui utilisent le média cinéma pour repenser le trajet de l'homme dans le monde.

Aujourd'hui dans l'instant cinéma, on va parler d'un film qui ne m'a pour une fois pas plu du tout. Bon vous me connaissez depuis le temps, je trouverai toujours un peu de bien à en dire, mais ça sera dur.

Mortal Instruments de Harald Zwart, réalisateur norvégien à qui on doit les "inoubliables" Cody Banks, La Panthère Rose 2 et producteur délégué du quand même sympathique et foutraque Dead Snow, n'est pas ce qu'on pourrait appeler un bon film. N'ayant pas lu les films, je ne me permettrai pas de juger de l'adaptation mais le film en lui-même, même si il possédait toutes les caractéristiques pour donner un sympathique film de fantasy un peu plus dark que la moyenne tombe dans tous les travers de la vague post-Twilight, héros tellement sombre et dark qu'ils sont représentés comme des hémos à un bal de fin de promo, méchant lisse mais beau à la Tom Elvis Jedusor mais sans la classe et l'ambiguité de ce dernier, même si Johnathan Rys Meyer fais bien son job, on se demande parfois ce qu'il vient foutre là, lui, ainsi que plusieurs seconds couteaux, d'habitude passionnant du cinéma de série B, ou de séries télés (coucou Misfits).

L'histoire adapté du roman de Cassandra Clare raconte l'histoire de  Clary Fray, quinze ans, jeune adolescente qui vit à New York. Lors d'une soirée dans un club new-yorkais, elle découvre un spectacle effrayant: trois personnes habillées en noir tuent une autre personne. Personne ne peut voir les agresseur et l'agressé sauf elle. Un mystérieux garçon blond se révèle à elle et lui dit que la victime est un démon, donc qu'il n'y a rien à craindre, que les agresseurs ne sont pas des meurtriers mais des bienfaiteurs. Bientôt la mère de Clary disparaît, capturée par de ténébreuses créatures. Clary découvre le monde des Chasseurs d'Ombres et des Créatures Obscures telles que les vampires, les loups-garous et les démons. Accompagnée de Jace, le blond décoloré et d'autres Chasseurs d'Ombres de l'Institut, Clary va tenter de comprendre ce monde particulier et de sauver sa mère, découvrant au fil du temps des révélations de plus en plus surprenantes.

Le film commence plutôt bien mais a beaucoup de mal à caractériser correctement ses personnages, on ne s'attache jamais vraiment à eux, et la mise en scène relève de beaucoup trop de gags qu'on finit par se demander si c'est assumé ou pas (rappelons nous, Cody Banks, la panthèse rose 2, producteur de Dead Snow), mais on déchante trés vite, c'est bien du premier degré mal assumé, et pas une relecture des codes du Twilight-Like. On tombe trés vite dans tous les travers du triangle amoureux sans issue, mais malgré de belles trouvailles en terme de plan, et quelques fulgurences visuelles, le récit tombe trés vite dans une chorégraphies de combats mais qui sont au cors défendants du chorégraphe, un français, pas trop mal chorégraphié justement. Le problème c'est qu'un bon combat doit continuer à raconter l'histoire, et que là, il n'y a rien, les combats ne sont qu'un prétexte pour faire venir les petits garçons dans la salle, et les hémos sexy tee-shirt mouillé ne sont qu'un prétexte pour faire venir les petites filles et les gays. Attention, ce n'est absolument pas ce que je pense, mais bien la logique genrée des producteurs du film qu'on sent venir à 20 pas. La sublime Lena Headey révélée au grand public par les Frères Grimm de Terry Gilliam fait quasiment de la figuration et la fille de Phil Collins, Lily Collins, s'implique autant que faire se peut sur son premier gros film dont elle se sort plutôt bien finalement.

Un mot sur la musique signée Atli Orvasson, compositeur de Anges et Démons et Iron Man entre autres qui s'en sort lui aussi plutôt bien, même si le film manque de thèmes qui restent en tête.

Au final, on se retrouve avec un film un peu aussitôt vu, aussitôt oublié, qui aurait mérité un meilleur traitement tant le potentiel semble dense (12 romans à ce jour), et tant un vrai réalisateur avec une vision aurait prévalu sur un sympathique yesman comme Zwart d'autant que la fin est plus que surprenante puisque pour une fois le sidekick à lunettes ne termine pas avec la reine du bal mais seul. C'est assez rare pour être signalé d'autant plus que la fin met en avant un des tabous de l'humanité et c'est assez malaisant d'ailleurs quand on comprend où veut en venir la fin. On notera d'ailleurs que l'auteur semble trés fan de Star Wars au point de reprendre dans son intrigue deux des rebondissements de la plus célèbre des sagas tel quel. Le problème étant que comme rien n'est véritablement assumé par un réalisateur avec une vraie vision, tout se délite peu à peu et rien ne fonctionne dans le récit, pas même les révélations de la fin qui bien amenée ailleurs, peuvent surprendre quand bien même ce genre de révélations fait maintenant parti des clichés des blockbusters.

Bref, au final, vraiment déçu par le film, et ce n'est pas les bonus dvd qui viendront rattraper ça, car on se retrouve avec un clip de la chanson du film et des featurettes promo pas trés intéressantes, en dehors de la featurette des combats qui est bien sympathique.

En espérant que le prochain film critiqué saura relever le niveau de ce dernier.

Sortie en Dvd et Bluray le 17 février 2014. Distribué en France par TF1 Vidéo.